Ningún gustador de la ópera debe dejar de asistir a esta “Rodelinda”. Es la segunda ópera barroca incluida en una temporada oficial del Teatro Municipal en 162 años y la primera en la sala de Agustinas —“Alcina” (1735) fue montada en el Teatro de Carabineros, por la restauración posterremoto de 2010—. Adicional a eso, es excelente el resultado de esta producción de Jean Bellorini —régie, con Matthieu Coblentz, escenografía con Véronique Chazal, e iluminación con Luc Muscillo— y vestuario de Macha Makaïeff, creada para Lille en octubre pasado, en coproducción con el Teatro de Caën, donde se presentó al mes siguiente.

En “Rodelinda”(1725), como en la ópera barroca en general, el realismo no es importante, incluso se considera banal y vulgar, y prevalece una visión ideal de los sentimientos humanos y de la naturaleza. Sus convenciones no son las de épocas posteriores. Por ejemplo, tras un aria, el cantante del barroco abandona temporalmente el escenario, para retornar luego a expresar otro affetto o situación, lo que entraba la fluidez dramática de la acción para ojos del espectador del siglo XXI. Esta sobresaliente producción es tanto más meritoria, en cuanto entrega una acción continua y ágil, con una estética interesantísima, ecléctica y moderna, y sin intervenir la ópera en lo esencial, cuidando el apego al libreto. Bellorini abandona todo marco escenográfico fijo, presentando, en cambio, cambiantes imágenes escénicas mediante el constante desplazamiento de elementos visuales y escenográficos, estos últimos trasladados en fajas móviles sobre dos rieles paralelos al foso. A la riqueza visual resultante se añade que los personajes —movidos muchas veces a la par de la escenografía— pueden dejar atrás la rígida mecánica de entradas y salidas de escena, característica del barroco. La iluminación, verdaderamente extraordinaria, no se limita a acompañar, para transformarse en un factor protagónico: trabajada con admirable cuidado, por sí misma crea nuevos escenarios y enfoques. Un marco de tubos de luz baja continuamente al centro del escenario para resaltar la acción y concentrar la atención en lo importante. El vestuario —quizá con la excepción de Eduige— es funcional en este contexto y hace algunos guiños al barroco, aunque ciertamente no pretende una reconstrucción histórica del siglo XVIII temprano ni, menos aún, del siglo VII lombardo.

Bellorini opta por una idea ingeniosa, que justifica (casi) todo cuanto nos muestra: sitúa a Flavio, hijo de Rodelinda y Bertarido, en el centro de la trama. Es un personaje mudo, pero todos los complejos desenvolvimientos se desarrollan bajo su mirada de niño, una víctima que contempla y calla. Por eso lo vemos (por alguna razón, representado por una niña) en grandes imágenes de multimedia, y hacen sentido el tren de juguete, los querubines, los pasajes con estética de mimos y las marionetas, que (al parecer) reflejan las percepciones de Flavio. Todo esto otorga, además, dinamismo a la estructura barroca. No sorprendería que Bellorini (38 años) deviniese en un nombre de referencia internacional como maestro de escena.

El conjunto vocal es sólido, sin excepción. Rodelinda es la soprano española Sabina Puértolas, de bello timbre y firme técnica vocal, con largo fiato y cuidados pianísimos. Con invariable alta expresividad y flexibilidad vocal y escénica, conmueve en “Ritorna, oh caro”, aria asombrosa en que se funden tristeza y nostalgia con la esperanza de quien anticipa un futuro mejor. Bertarido, originalmente escrito para castrato, es abordado magistralmente por el contratenor catalán Xavier Sabata, que responde sin desmayo a las descomunales exigencias de ornamentación, matización y agilità, como en “Vivi, tiranno, io t'ho scampato”. Grimoaldo, asimismo un rol de gran dificultad, recae en el versátil tenor argentino Santiago Bürgi, en la mejor encarnación que le hemos visto en el Municipal. La mezzo Gaia Petrone, de timbre especialmente grato en el registro medio, es una Eduige con carácter. Notables desempeños registran asimismo el contratenor Christopher Ainslie y el barítono chileno Javier Arrey, como Unulfo y Garibaldo, respectivamente,

La orquesta, a cargo del director alemán Philipp Ahmann, entrega un marco exacto, en contrapunto infalible con el desenvolvimiento escénico. Las abreviaciones de la partitura, virtualmente inevitables en una representación contemporánea de ópera barroca, sintetizan las tres horas originales en dos y media de música. Impecable igualmente es el continuo en clavecín (Fernando Aguado).

Esta producción, que podría encontrarse en cualquier teatro de primera línea mundial, no solo marca un hito en la trayectoria de nuestro teatro, sino que contrasta con los tiempos difíciles para sus finanzas y reafirma por qué debe salir adelante.